Em “Saudade” há um mergulho de quem observa o passado não com a dor da perda, mas com a leveza da contemplação. A artista evoca lembranças com uma única representação figurativa, como se esse pequeno fragmento perdurasse num mar deste sentimento.

A série Brincar nos conduz ao universo essencial da infância, um território fértil para a criatividade, que nas palavras da artista são “assunto sério”. Este é um convite a reencontrar o lúdico para além das telas. Estampas e texturas estimulam a imaginação, resgatando a simplicidade e a liberdade de ser criança, enquanto a artista reflete sobre as transformações entre o tempo de sua própria infância e a infância contemporânea, marcada pelo consumo e sedentarismo.

Em Mapas, o olhar se volta para a migração, tema profundamente atual. Gaya não apenas revisita os lugares que habitou, mas também confronta a complexidade dos deslocamentos. Manchas que se diluem e se recombinam com sua cartografia pessoal em um exercício de reinterpretação: ora os mapas são delineados e no instante seguinte se fundem com aquilo que os tornou memoráveis. A artista joga com a ideia de lar e pertencimento, reafirmando a importância de nossas origens, mesmo na distância.

À primeira vista estes conjuntos de obras parecem distintos, mas suas raízes estão entrelaçadas na memória e no tempo. Cada um deles se abre para um território diferente, refletindo nuances da experiência de vida da artista em suas jornadas. As cores aqui, literalmente inventadas, apresentam uma paleta cromática expressiva. São cicatrizes, impressões em brasa ou em nostalgia. Assim são as lembranças, esse emaranhado de sentimentos que vão criando camadas espessas embebidas de presença ou sua própria ausência.

Texto de Lívia Gonzaga para a exposição individual “É tudo cor inventada”, Galeria Mercedes Viegas, 2025.

Iniciada em 2023, “Border” é uma série ainda em construção, desenvolvida a partir do olhar para a questão de ser borderline, condição a qual fui diagnosticada em 2021. “Sinto muito” foi pintada em duas delas, dois suportes, mas o conjunto em si é a pintura. A escolha de criar um díptico levou em conta a fronteira que se criava no encontro das duas. Borderline = fronteira/linha da borda.

Durante sua realização, ora as duas telas alinhavam-se na mesma altura do chão, ora era criado um desnível, suspendendo uma delas, criando uma outra fronteira — a imagem se desloca, bem como a composição, que carrega diversas camadas: questões, padrões, gestos e procedimentos (que me são muito caros) como colagens, escorridos, estampas, transparências. A tarja vermelha — única parte pintada a óleo — faz unir a série, e se refere à tarja vermelha impressa nas caixas de remédio.

Série composta por pequenas pinturas e desenhos com aquarela, nanquim, colagens, costuras e, algumas vezes, com o desgaste do próprio papel, produzidos durante o deslocamento entre cidades e estados. Trajetos que são apelos em direção à busca de si. Um grito no espaço interior, atravessando espaços tanto externos quanto internos.

As xilogravuras de Marajoara 77 são registros da poesia de uma árvore: captura em tinta e papel dos caminhos percorridos pela larva de um besouro ao alimentar-se da madeira do tronco. Estes caminhos criam relevos e topografias, cuja impressão faz explodir uma série de mapas em estado de devaneio. Como se a xilogravura fosse, aqui, um procedimento para acionar derivas de caminhos já existentes. Decalcar trajetórias para percorrê-las de novos modos.

Fragmento do texto “Botânico em Estado de Poesia”, de Tomás Braune, para a exposição individual “Marajoara 77”, ICG, Niterói/RJ, 2019.

Nos últimos anos passei por vários processos de adoecimento. Descobri partes do meu corpo que não sabia da existência, da maneira menos querida possível, através da dor e do cansaço. Por curiosidade, a vontade de entender melhor o que eram, onde estavam e ao que se conectavam essas partes minhas, pedi a um amigo médico dois livros de anatomia emprestados e comecei a estudar.

A partir desse estudo, surgiu a vontade de pensar espaços e sentimentos que nosso corpo e alma dêem conta. Do nanquim sobre papel, devaneios vieram: que órgão se conecta a que sentimento ou estado de espírito? As decisões que tomamos na trajetória como humanos influenciam diretamente nosso corpo — primeira, última e mais importante morada, afinal o corpo é pura memória. Apelo para o uso da palavra mais uma vez. Para mim, palavra e imagem são uma mesma linguagem, andam juntas. — Gaya Rachel

Que textura tem a intimidade? E quantas camadas? Intimidade é entranha. Intimidade sangra e cura — ciclo vida-morte-vida. Intimidade é um eterno descobrir-se, redescobrir a cada pulsação. Perceber-se a ponto de sentir a variação das nuances internas.

Atravessada pelos símbolos e imagens que se mostram cheios de significado e povoam o imaginário nacional, como a leveza do M'boitatá, que serpenteia com suas chamas sobre as florestas, ou a rapidez do tatu, que ao ouvir o chamado da Kaapora, mesmo meio assado e sem vísceras, sai à sua procura como um relâmpago, Gaya evoca em seus quadros a dinamicidade do folclore nacional, trançando sua pesquisa literária às memórias da infância e conversas pelos interiores do país.

Exórdio surge como desdobramento do seu encontro com os cultos pré-colombianos e africanos que deu origem à sua última série, Solidão Compartilhada, onde, buscando uma religião própria, criou seu panteão de deuses dando formas e cores a seres encantados como Akipoyo, a entidade da fertilidade, do que se gera e do que se cria.

Envolvida nesse misticismo povoado pelas reminiscências dos mitos brasileiros, Gaya se viu nas origens do Brasil, cercada pelas imagens riquíssimas de suas lendas, o que a levou para as terras da imaginação; e lá chovia. A artista combina a diversidade das narrativas populares com as Seis propostas para o próximo milênio, escritas por Ítalo Calvino. Exatidão, visibilidade, multiplicidade, leveza e rapidez, com seus respectivos contrários-complementares (vago, invisibilidade, unidade, peso, lentidão), são amalgamados no seu processo criativo, expandindo a possibilidade de interseções entre literatura e pintura, palavra e forma-cor.

Texto de Diego Franco para a exposição individual “Exórdio”, Hotel da Loucura, Hospital Pedro II, Engenho de Dentro, Rio de Janeiro/RJ, 2014.

Participação na performance de Anna Maria Maiolino. “Entrevidas”, realizada pela primeira vez em 1981, no Rio de Janeiro, foi apresentada no MASP, São Paulo, em 2025, na (re)inauguração do vão livre do MASP.

Participação na performance de Anna Maria Maiolino, realizada em Milão (Padiglione d'Arte Contemporanea), em 2019.

Com essa ação, Maiolino volta a elaborar argumentos relacionados ao ser humano: o social, o político, a vida, a morte e o feminino, e quer dar relevância aos afetos relacionados ao eu (o Eu) e ao outro. “Al di là di” é composto por três elementos expressivos: duas mulheres — uma jovem e outra mais velha — e um retângulo de tecido vermelho. O tecido escarlate não é um elemento compositivo cenográfico, mas uma parte expressiva, motivadora e catalisadora da ação poética. É o agente metonímico dos significantes da obra e permite às duas mulheres um diálogo enérgico, sem palavras, que lhes permite comunicar ao público os afetos que a compõem.

Ato Pictórico parte da reflexão sobre o espaço físico e subjetivo do corpo no mundo: qual seria o maior espaço que se consegue alcançar com o corpo e como ele pode ser inserido dentro da arte? Em forma de performances, vídeos, fotos, rastros? Tal questionamento originou esta performance, na qual a artista junto ao Coletivo Mulheres de Pedra dança numa roda de jongo (ritmo de origem africana do Congo-Angola) sobre uma tela polvilhada com pigmento, tensionando os limites do corpo dentro da pintura.

Uma corrente de barcos de papel — páginas retiradas do livro El yo y el inconsciente, de Carl Jung — unidos por aros de alumínio, em sequência de paginação. Um círculo que tem início e fim fixado no mesmo objeto, a capa do livro. Uma vela, um farol no ponto central do círculo, uma luz que ilumina tudo. Um sinal de esperança. “De mim pra mim” é referência a um percorrer que sai e volta para o mesmo lugar, como um caminho da artista traçado por dentro de si que navega, como barcos, sempre voltando ao mesmo porto seguro: a própria intimidade.

Na residência de artistas Casa Sapucaia (RJ), a artista buscou intervir na paisagem ao criar um buraco (O Buraco), utilizando materiais que encontrou no próprio local: um aro de ferro e cipó.

De São Paulo a Brasília. Um gesto e um trajeto que se repetem, embora nunca sejam iguais.